IMPRESIONISMO

                                                                                                  PROGRAMA
JORGE SILVA 9 Y 10 NOVIEMBRE-001
En este curso nos adentramos en el paisaje Impresionista a través del estudio de las formas, la luz y el color.
El objetivo es representar una imagen querida o un rincón añorado de nuestra ciudad simplificando algunas formas y destacando detalles que nos hagan reconocer el paisaje. Trabajando a partir de una serie de fotografías veremos el trabajo de investigación y análisis que debe llevar una obra plástica. Mediante una serie de manchas ligeras de color, y dibujos esquemáticos vamos descubriendo formas, movimientos, estudiando la composición y sus posibilidades para poder simplificar lo que estamos viendo y conseguir una obra con los procedimientos, técnica o estilo impresionista y con el carácter que cada alumno aporte al cuadro.
El curso se presentara de forma libre y abierta adaptándose tanto al alumno avanzado como al principiante. También como un espacio donde los alumnos podrán recuperar, reforzar y afianzar conceptos. incentivando al alumno a descubrir y perfeccionar su propio estilo.
“IMPRSIONISMO” Impartido por Jorge Silva
FECHAS: 9 DE NOVIEMBRE DE 19: 30 A 21:30 SÁBADO 10 DE NOVIEMBRE DE 10 A 14 Y DE 16 A 19:30 PRECIO: 80€
ALOJAMIENTO Y COMIDAS
Los alojamientos y comidas no están incluidos en el precio del curso.
Para las comidas concertamos un menú con un restaurante cercano.
Si lo solicitas te enviamos información sobre alojamientos
MATRÍCULAS Y PAGOS
El plazo de matrícula en el curso queda abierto desde el momento en que se emite este comunicado. El plazo se cierra el 8 de noviembre de 2018 o, de forma anticipada, cuando se cubran las plazas disponibles (8). La matricula queda confirmada cuando se abona la cantidad de 30 euros en concepto de Reserva de Plaza. El pago puede realizarse en metálico en la propia Escuela, por giro postal o transferencia bancaria. (Si prefieres esta opción, solicita los datos bancarios)
El importe de la matrícula no se devuelve si el alumno, por causa ajena a la organización, no puede realizarlo.

Armonizar el color

Tras acercarnos a las gamas cromáticas, hoy hablamos de cómo armonizar el color. Ya conocemos los conceptos frío-cálido, primario-secundario, por lo que, partiendo de ahí, podemos realizar todas las combinaciones que deseemos de cara a alcanzar una composición cromática.

Para conseguir una armonía nos decantaremos siempre por tonos similares, mientras que si lo que queremos es obtener contraste y complementariedad, usaremos los contrarios.

Cuando intentéis plasmar una atmósfera unificada tened en cuenta la colocación de los colores, así como qué aportan unos junto a otros. De esta manera, conseguiréis la armonía deseada. En el caso de que no busquéis contraste deberéis matizar los tonos contrarios, de tal forma que uno junto al otro no conlleve una sensación estridente para quien observa la obra.

Pondremos un ejemplo:

Para pintar un bodegón de frutas con naranjas y limones, en el que intervienen diferentes tonalidades que el pintor debe saber integrar, dibujamos primero el plato en rojo. Sobre este tono se van incorporando naranjas, amarillos y verdes. Se trata de tonos cálidos que combinan muy bien.

Después se incorporan tonos fríos, pero matizados, con el objetivo de que queden integrados con el resto de tonalidades. Para el fondo del cuadro podemos elegir un violeta porque combina bien con las frutas de color cálido. Además, escogeremos el azul oscuro para las sombras y lo matizaremos para no desentonar.

Finalmente, podemos oscurecer el color de las frutas por la parte que está sombreada. Así, el azul se fundirá en la oscuridad general de la obra.

Con estos simples pasos conseguiréis armonizar el color. Un cuadro puede contener muchos colores, pero sólo será armónico si se utilizan de forma correcta y con los matices necesarios. Ya podéis empezar a coser los colores con sutileza; así crearéis verdaderas obras de arte.

IMG_20161205_122203.jpg

SÍGUENOS EN:

Gamas cromáticas: fríos, cálidos y quebrados

Hoy vamos a acercarnos a las gamas cromáticas que la paleta ofrece al artista. Podréis elegir entre colores fríos (del azul al magenta), cálidos (del magenta al amarillo) y quebrados (marrón y grises), según la atmósfera que os propongáis crear. Hablamos de sensaciones, que indudablemente se transmitirá a quien observe la obra.

Generalmente decimos que un cuadro es frío si en él dominan los tonos azules, verdes y violetas, mientras que decimos que es cálido cuando abundan los amarillos, ocres, rojos y naranjas.

Colores fríos

El color más frío es el azul, por lo que cuanta mayor carga de este color tenga un tono, más frialdad conseguiremos. Los colores más cercanos al azul en el círculo cromático conforman la gama fría, entre ellos algunos verdes y violetas. Sin embargo, cuanta más cantidad de color cálido usemos para formar el verde o el violeta, menos frío se vuelve.

Colores cálidos

Si lo que queréis obtener es cercanía y calidez, probad a usar los colores cálidos: amarillos, ocres, rojos y naranjas, así como los carmines y terrosos. Aunque los ocres y marrones se ubican en la gama quebrada, la gran cantidad de rojo y amarillo que tienen los vuelve cálidos.

En todo caso, la luz que incide en un cuerpo u objeto determina su color. Así, éste dependerá de la hora del día y de la luz que recibe, que condicionará la dominación de fríos o cálidos. Los cuerpos que se encuentran más cerca de la persona que observa la obra tienen unos matices más cálidos.

Colores quebrados

Los colores quebrados son el marrón y los grises, que se obtienen de mezclar los tres primarios (amarillo, azul y rojo) en diferentes proporciones. En concreto, en los grises hay una carga bastante grande de azul y en los marrones dominan los rojos y amarillos.

img_8031.jpg

Dibujar apuntes: conseguir soltura

18157617_1305757489520722_6154467588120425320_n

El miedo al lienzo en blanco se puede combatir. Sólo necesitas un lápiz, un papel y ganas de experimentar con total libertad. Es lo que llamamos tomar apuntes o ensayar cuadros, una práctica que te ayudará a aprender a pintar con más soltura. Se asemeja al escritor que escribe sin moldear palabras; las plasma según le brotan, ejercita su escritura y gana singularidad.

El apunte se dibuja sin preocupaciones, sin cautelas, sin condicionamientos o barreras. Prueba sin miedo a equivocarte e irás ganando oficio.

Hazte con un bloc y un lápiz que sea blando, como el 4B o 6B. También puedes dibujar con cretas, rotuladores (negro, siena, ocre y gris) o con tinta china y plumilla. Cuando hayas elegido el material que más te guste, lánzate a dibujar con absoluta libertad.

¿Y qué dibujo? Hay infinidad de temas en todas partes. En casa, en la calle, en el autobús, en el parque, en el bar, en el supermercado… Dibuja apuntes, unos más sencillos, otros más complicados, según el tiempo del que dispongas.

Van Gogh decía que “dibujar apuntes es como sembrar para después recoger cuadros”. La constancia, importante en muchos aspectos de la vida, también lo es en la pintura. El dibujo de apuntes es un ejercicio que perfecciona la técnica y el oficio, además de dar rienda suelta a la creación espontánea y única de cada artista.

The Art of Drawing People-703

SÍGUENOS EN:

Miremos al cielo

img-20180426-wa0011.jpg

 

Hoy alzamos el vuelo. Levantamos la mirada y la fijamos en el cielo. En una pintura de paisaje todos los elementos de la obra hablan, pero el color y volumen que el artista otorgue al cielo será clave para crear el alma del cuadro: oscura, tenue, plana, radiante, alegre…

En las pinturas de paisaje suele marcarse un horizonte terrestre con el objetivo de establecer una referencia para representar la imagen que deseamos crear. Cualquier técnica es adecuada para el tema, pero la acuarela puede prestarse más al paisaje, ya que permite fundir y degradar. Es perfecta para plasmar lo vaporoso de un cielo nublado.

Proponemos tres consejos:

  1. El cromatismo del terreno y sus elementos se verán claramente condicionados por un cielo nuboso. De esta forma, los colores oscuros y grises de las nubes se reflejarán en la vegetación y terminarán integrados en el colorido general del cuadro.
  2. Al pintar un cielo nublado los colores húmedos posibilitan infinidad de fusiones e intervenciones con el pincel. Se pueden abrir luces con los grises eliminando pintura con un pincel seco. Así se pueden crear blancos difuminados.
  3. Los blancos que el pintor decide abrir en una zona determinada de la obra aumentan su intensidad si los colores que los rodean son muy oscuros. Es importante elegir una zona concreta del papel y rodearla de azules intensos.

Esperamos que estos pequeños consejos os hayan servido de ayuda y os lancéis a pintar paisajes con más seguridad. Tened siempre presente la importancia del cielo en este tipo de obras y levantad la mirada cuando caminéis por la calle. El cielo siempre sorprende.

 

SÍGUENOS EN:

Dibujar la figura humana. Proporción, estructura y pasos.

El dibujo de estatua nos da unas claves para afrontar el dibujo de la figura del natural, el modelo vivo, con ciertas garantías. Sin embargo, la morfología del ser humano, las características particulares de cada individuo y la variedad de poses que puede adoptar exigen al dibujante un análisis y una organización en las fases de su trabajo. Los primeros encuentros con el dibujo de la figura humana suelen ser decepcionantes, pero si insistes verás que realmente eres capaz de conseguir unos buenos resultados. Te recordamos por segunda vez en este tema las palabras de Miguel Ángel: “Se dibuja con el cerebro, no con las manos”.

Proporción

Al estudiar el canon griego sabemos que la cabeza era la unidad de medida en las estatuas. Siete, siete y media u ocho cabezas son las proporciones más utilizadas. Al principio es recomendable acostumbrarse a utilizar siempre un mismo modelo para que las medidas coincidan y las relaciones entre las distintas partes del cuerpo se repitan en los distintos dibujos. Con la práctica la proporción se percibe de manera más intuitiva. Varios manuales de dibujo recomiendan el modelo de ocho cabezas porque al ser un número par, todas las divisiones se realizan de manera más sencilla.

Estructura

Todo dibujo, ya sea de una figura humana, un paisaje o cualquier otro tema necesita una buena estructura previa que organice todo el conjunto y componga y haga funcionar la imagen. Las primeras líneas del dibujo son muy importantes, ya que contienen las principales proporciones de la figura y la esencia de la pose, y sobre ellas se asienta todo el trabajo posterior.

Pasos

Sitúa el eje principal de la figura y el punto medio y ve incorporando la línea de los hombros, la cintura y el pecho. Sitúa la cabeza. Relaciona las partes homólogas mediante una línea: los codos, las rodillas.

A partir de este punto empieza a dar forma a la figura. No vayas al detalle, haz formas que engloben a las otras: Puede ser un óvalo para la cabeza, formas redondeadas para la barriga y las piernas, o también otras formas que te gusten más para el encaje . Puedes reforzar alguna zona con una leve sombra para ayudarte a ver la figura. Poco a poco irá apareciendo la imagen que estás buscando.

Conforme vayas avanzando procura que esas formas geométricas previas vayan tomando las formas reales de los músculos, ve transformando el muñeco en una persona, busca su anatomía.

Probablemente en el proceso del dibujo descubras alguna proporción que no has captado bien o una forma que sería bueno corregir. Adelante, el dibujo es algo vivo, orgánico, que puede moverse constantemente, pero no abuses de la goma, es mejor empezar con líneas muy suaves que no hace falta ni siquiera borrar, piensa antes de dibujar y cuando tengas seguridad traza la línea final.

Dibuja de dentro a fuera de la imagen, no cierres el contorno con una línea continua, deja que vaya apareciendo en función de la pose de la figura y de las sombras. En algunas partes estará muy marcado y en otras prácticamente desaparecerá.

El acabado del dibujo depende de lo que busquemos. Como estamos realizando apuntes nuestra intención es captar el gesto y que en general la figura se entienda sin profundizar demasiado en los detalles. Eso sí, puedes llamar la atención de alguna zona acabándola un poco más que el resto.

La pintura al pastel, Que es y como usarla.

El arte del dibujo al pastel pertenece a las llamadas técnicas secas, ya que a diferencia de la pintura al óleo o la acuarela, no se utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo.

Aunque el pastel se relaciona con los degradados y el efecto esfumado del color, su uso puede ser variado y aveces especialmente adecuado para marcar el trazo y crear ciertos efectos. Uno de los primeros en comprobar los efectos texturados de esta técnica fue Edgar Degas, quien realizó verdaderas obras maestras en pastel, en las cuales aparecen colores intercalados y trazos muy marcados, mediante la aplicación de colores directos y la superposición de unos tonos sobre otros.

La variedad de tonos en pastel es mas amplia que en el resto de técnicas. Mientras en otros procedimientos estos tonos tienen que realizarse a mano, a base de añadir blanco, en pastel vienen ya fabricados.

El pastel es la técnica más adecuada para trabajar el trazo y la mancha. Ésta presenta un fondo sobre el cual pueden aplicarse los trazos. Cuando se mancha, suele ser sobre espacios grandes o medianos; la mancha determina el contorno de los elementos representados. La linea y el trazo, en cambio, determinan los detalles y las direcciones.

1- El pastel es, junto con el óleo, una de las técnicas más adecuadas para fundir y degradar tonos.

2- El proceso de difuminado al pastel se hace arrastrando el pigmento sobre la superficie del papel.

3- Para difuminar contornos, se funden los límites que establecen dos colores, de manera que la línea  se une sin necesidad de mezclar tonos.

4- El fundido con los dedos es muy apropiado por que la grasa que desprende la piel ayuda a fijar el pigmento sobre el papel.

5- Los degradados se forman por frotación y fundido, mientras que los contrastes son más intensos cuando se obtiene con el color directo de la barra.18447692_1324262177670253_4835185346844718659_n