Sesión ‘Interpretación en la pintura’ con el artista Jorge Silva

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CUÁNDO: 26 de octubre de 2019 (de 11 a 14 horas)

DÓNDE: Academia de dibujo y pintura La maleta del caracol (calle Tajonar, 1, bajo, Pamplona)

LA SESIÓN: El artista Jorge Silva pintará una obra al óleo al tiempo que irá exponiendo y explicando paso a paso a los asistentes las diferentes fases y singularidades del proceso de creación del cuadro.

Entre otros temas, hablará de:

   -materiales y sus posibilidades

   -planteamiento y composición de un cuadro

   -desarrollo cromático de una obra

   -recursos técnicos para representar lo que vemos

   -finalización de una obra

EL ARTISTA: Joven artista pamplonés, Jorge Silva desarrolló su gusto por el dibujo desde muy pequeño. Autodidacta y apasionado de la pintura, perfeccionó su estilo junto a su maestro Dan Isturiz y en 2016 creó la academia de dibujo y pintura La maleta del caracol. A sus 35 años, Silva ha impartido clases y cursos intensivos de dibujo a grafito, pintura al pastel y óleo. Su obra ha sido expuesta en diferentes galerías de Navarra, individual y colectivamente.

PRECIO: 25 euros

Los opuestos se atraen

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Siempre se ha dicho que los opuestos se atraen. En la pintura también. Los llamados colores complementarios son opuestos en el círculo cromático y, aunque chocan cuando están juntos, ofrecen al artista valiosas posibilidades de contraste. Se oponen, pero piden su cercanía. Como en la vida, lo más difícil será conseguir equilibrio.

Los colores complementarios son los que están opuestos en el círculo cromático y el complementario de un color primario siempre será uno secundario y viceversa. Las parejas principales de colores complementarios son:

Amarillo-violeta

Rojo-verde

Azul-naranja

Conocer y dominar el uso de los colores complementarios es muy importante porque con ello obtendremos hermosos contrastes y matices. Al colocar colores complementarios juntos ambos se intensifican, por lo que son idóneos para crear obras de colores exaltados y dinámicas.

Las opciones de contraste se multiplican con el uso de colores complementarios, pero pueden resultar muy chocantes a la vista. Por ello, os recomendamos que no uséis parejas de complementarios en su máxima saturación si no queréis un resultado de colores demasiado violento.

Para obtener contrastes más sutiles, es preferible usar los colores complementarios con grados de saturación inferior. De esta manera, conseguiremos más tonos y matices.

En este sentido, os recomendamos buscar cierto equilibrio entre el contraste de colores complementarios, algo que se puede conseguir con un valor semejante.

Por el contrario, evitad oscurecer los colores complementarios porque el contraste será mayor cuanto más claros y saturados sean.

Esperamos que con este breve repaso a las posibilidades que ofrecen al pintor los colores complementarios os animéis a trabajar el maravilloso mundo de los contrates. Ya sabéis que lo opuesto nos enriquece, pero siempre que encontremos el equilibrio.

Curso intensivo ‘La figura humana’

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CUÁNDO: 13 y 14 de diciembre de 2019

     Viernes, día 13: de 19.30 a 21.30 horas

     Sábado, día 14: de 11 a 13 horas y de 16 a 19.30 horas

DÓNDE: Academia de dibujo y pintura La maleta del caracol (calle Tajonar, 1, bajo, Pamplona)

EL CURSO: Este workshop de dibujo artístico se propone ofrecer al alumno los recursos necesarios para desenvolverse con soltura en el terreno del dibujo de la figura humana. No es necesario tener conocimientos previos, ya que el profesor se amoldará al nivel de partida de cada alumno.

La primera parte del curso se centrará en el dibujo de estatua y se desarrollará el viernes, día 13, de 19.30 a 21.30 horas.

La segunda parte, que será el sábado, consistirá en el dibujo de modelo vivo. A la mañana el modelo realizará poses cortas, de 5 minutos, para que los alumnos puedan dibujarlo en diferentes posturas. Por la tarde hará una pose única para trabajar más el dibujo.

GRUPO REDUCIDO: Este taller se desarrollará con un grupo reducido de alumnos, con el objetivo de ofrecer una atención más personalizada.

EL PROFESOR: Joven artista pamplonés, Jorge Silva desarrolló su gusto por el dibujo desde muy pequeño. Autodidacta y apasionado de la pintura, perfeccionó su estilo junto a su maestro Dan Isturiz y en 2016 creó la academia de dibujo y pintura La maleta del caracol. A sus 34 años, Silva ha impartido clases y cursos intensivos de dibujo a grafito, pintura al pastel y óleo. Su obra ha sido expuesta en diferentes galerías de Navarra, individual y colectivamente.

PRECIO: 80 euros (materiales incluidos)

DIBUJO ARTÍSTICO

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¿Siempre has querido aprender a dibujar?

Este curso te ofrece la posibilidad de aprender todo lo necesario para desenvolverte en el mundo del dibujo. A través de métodos prácticos y de la mano del artista Jorge Silva trabajaremos el grafito, el carboncillo y el pastel. 

CONTENIDO DEL CURSO

‘El retrato’ (grafito)

‘Encaje del natural con modelo vivo’ (carboncillo)

‘De la mancha al volumen’ (pastel)

DURACIÓN, HORARIOS Y PRECIO

Duración del curso: de enero a junio de 2020

Horario: todos los jueves de 19.30 a 21 horas

Precio: 50 euros al mes

Plazas limitadas (máximo ocho alumnos) 

Infórmate en el  666 815 674 o a través del correo lamaletadelcaracol@gmail.com

Multiplicar colores: mezclas por veladuras

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Hoy dedicaremos algunas palabras a la mezcla por veladuras, un recurso pictórico que consiste en superponer una película transparente de pintura sobre otra. Con ello, conseguiremos enriquecer la gama cromática de los colores, además de transparencia y profundidad. Este método, utilizado en las técnicas de óleo, acrílico y acuarela, os permitirá tanto corregir tonos como variarlos.

Hay que tener en cuenta que si aplicamos una veladura de un tono de la gama de la pintura subyacente, obtendremos un color más profundo, mientras que si hay mucha diferencia de tonos, conseguiremos un color nuevo.

Las veladuras nos resultarán más ágiles en la pintura con acuarela o con acrílico porque permiten un secado rápido de cada superposición de pintura. Sin embargo, pintar una obra al óleo a través de veladuras es mucho más costoso.

Veladuras con acuarela

Con las veladuras con acuarela, crearemos una sensación de transparencia superponiendo capas finas de pintura y también podremos servirnos del papel para obtener efectos de luz.

Pondremos un ejemplo de cómo pintar con acuarela una flor de pétalos rosas utilizando el método de las veladuras

Tras realizar el esbozo de nuestro dibujo, aplicaremos una primera aguada gris muy fina, para posteriormente, una vez que el papel se haya secado por completo, superponer una segunda veladura de color magenta y una tercera amarilla. Así conseguiremos un color rojizo. Los colores serán más intensos conforme apliquemos nuevas capas y pinceladas.

Veladuras con óleo

Ya hemos adelantado que las veladuras con óleo ralentizan nuestra obra, ya que es necesario dejar secar bien cada capa. Muchos artistas recomiendan mezclar la pintura con barniz holandés o secativo de cobalto, con el objetivo de acelerar el secado. Tened en cuenta que en el caso del barniz daremos brillo a la veladura, mientras que con el secativo de cobalto el color se apagará.

En el caso del óleo las veladuras nos permitirán crear transiciones de color muy suaves. Además, es un recurso pictórico muy útil para poder trabajar con más efectividad la iluminación, la profundidad y las gamas de color de la obra.

Es muy importante dejar secar por completo cada veladura antes de aplicar una nueva. Evita las veladuras al óleo con aguarrás porque agrisará el color y le restará brillo.

Esperamos que estos consejos sobre las mezclas por veladuras os animen a probar este método, con el que podréis multiplicar colores casi sin daros cuenta.

TARJETA REGALO

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La maleta del caracol te ofrece la opción de realizar un regalo diferente. Con nuestra tarjeta regalo podrás sorprender a quien quieras con cuatro u ocho clases de dibujo o pintura, así como con alguno de nuestros cursos intensivos. Se puede elegir entre las diferentes técnicas que impartimos en la academia: dibujo, pastel, óleo, acuarela…

Los materiales están incluidos en el precio.

Cuatro clases: 50 euros

Ocho clases: 80 euros

¡Regalar arte y tiempo siempre es un acierto!

La figura humana: dibujar con el cerebro

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La figura humana es una tradicional fuente de inspiración para el dibujo. Por eso, os proponemos un breve repaso por el dibujo de estatua, que nos ofrecerá varias claves para afrontar el dibujo del natural o modelo vivo con ciertas garantías.

Este tipo de dibujo nos exigirá análisis y organización porque, recordando las palabras de Miguel Ángel, “se dibuja con el cerebro, no con las manos”.

La proporción: los cánones

Es muy importante medir las proporciones en el dibujo de figura humana. Sólo de este modo lograremos una obra coherente y realista. Existen diferentes cánones de la figura humana que señalan las medidas perfectas.

Si nos fijamos en la pintura griega, encontramos el canon de 7 cabezas, que establece que la altura de una persona es 7 veces la medida de la cabeza. Esta regla puede variar a 7,5 u 8 cabezas.

Para un dibujante aprendiz, es recomendable utilizar siempre un mismo modelo para que las medidas coincidan y las relaciones entre las distintas partes del cuerpo se repitan en los distintos dibujos. Con la práctica la proporción se percibe de manera más intuitiva. Varios manuales de dibujo recomiendan el modelo de ocho cabezas porque, al ser un número par, todas las divisiones se realizan de manera más sencilla.

Estructura previa: organización

Por otra parte, antes de lanzaros a dibujar la figura humana, os aconsejamos apoyaros en una pensada estructura previa que organice el conjunto, componga y haga funcionar la imagen. Todo dibujo necesitará su soporte mental previo.

Así, las primeras líneas del dibujo son muy importantes. Ellas contienen las principales proporciones de la figura y la esencia de la pose, y sobre ellas se asienta todo el trabajo posterior.

Pasos: dando forma a la figura

En primer lugar estableceremos el eje principal de la figura y el punto medio. Después incorporaremos la línea de los hombros, la cintura y el pecho, y situaremos la cabeza. Nos ayudaremos de una línea para relacionar los codos y las rodillas.

A partir de este punto, comenzaremos a dar forma a la figura. Es preferible no ir al detalle; realizad formas que engloben a otras. Por ejemplo, un óvalo para la cabeza y formas redondeadas para el vientre y las piernas. Además, podéis reforzar alguna zona con una leve sombra, algo que os ayudará a ir viendo la figura. Poco a poco, aparecerá la imagen que estáis buscando.

Conforme avancéis en el dibujo procurad que esas formas geométricas previas vayan tomando las formas reales de los músculos. Se trata de transformar el muñeco en una persona, buscando su anatomía.

El dibujo es algo vivo

Mientras dibujáis es probable que descubráis alguna proporción errónea que haya que corregir. No pasa nada, ya que el dibujo es algo vivo que puede moverse constantemente. Eso sí, no abuséis de la goma. Es preferible empezar con líneas muy suaves para que posteriormente no haga falta siquiera borrarlas. Pensad siempre antes de dibujar y trazad la línea final con seguridad.

Os recomendamos dibujar de dentro hacia fuera de la imagen y no cerrar el contorno con una línea continua. Dejad que vaya apareciendo en función de la pose de la figura y de las sombras. En algunas partes estará muy marcado y en otras prácticamente desaparecerá.

El acabado: qué buscamos

Finalmente, entraremos en la fase del acabado del dibujo, que siempre dependerá del objetivo que nos hayamos marcado. Si realizamos apuntes, nos limitaremos a captar el gesto, con el fin de que, en general, se entienda la figura, sin profundizar demasiado en los detalles. Eso sí, podemos llamar la atención de alguna zona acabándola un poco más que el resto.

Esperamos que estas nociones básicas sobre el dibujo de la figura humana os hayan servido de ayuda. Tened siempre presente que la observación y el análisis previos serán claves para vuestro resultado final. Mirad, pensad, organizad… ¡y a dibujar!

¡Qué lío de lápices! Utensilios para el dibujo a grafito

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El lápiz de grafito y las gomas de borrar son nuestros mejores aliados para dibujar, aunque a veces no acertamos con los más adecuados para lograr nuestro objetivo. Por eso, hoy os proponemos un breve repaso por las diferentes variantes de lápices y gomas. Encontrar los mejores utensilios para cada trazo o corrección os facilitarán mucho el trabajo.

Letra y numeración

Según el número o letra que aparezca en la parte superior del lápiz, éste será más o menos oscuro y más o menos duro.

La escala es la siguiente: …3H-2H-1H- HB -1B-2B-3B…

La letra H, que se refiere a la palabra hard (duro), nos indica si el lápiz es más o menos blando. La letra B, que se refiere a la palabra black (negro), nos indica si el lápiz es más o menos claro.

Por ejemplo, un lápiz 3H será más claro y más duro que un 1H, mientras que un 3B será más oscuro y más blando que un 1B.

Sus utilidades

Los lápices con la letra H son los más indicados para realizar las primeras líneas de encaje, ya que a la hora de sombrear, las líneas erróneas se perderán sin necesidad de borrar.

Si usamos un lápiz H para sombrear, la masa que creamos será más uniforme porque dejará ver menos el entramado del papel, mientras que si utilizamos un lápiz blando para dibujar, creamos una masa con más sensación de porosidad porque dejamos ver más el entramado del papel.

Por otro lado, para sombrear un retrato o un dibujo usaremos los lápices no sólo para buscar la intensidad, sino también para interpretar o crear diferentes texturas.

Gomas de borrar

Para el dibujo a grafito disponemos de dos tipos de gomas de borrar: las escolares y las moldeables. Os recomendamos borrar los errores con la goma moldeable y usar la escolar para dibujar (sacar luces o brillos).

Si borramos una línea con la goma escolar al volver a sombrear sobre esa superficie nos arriesgamos a que queden marcas oscuras en nuestro dibujo porque generalmente esta goma deja una cera sobre el papel. Sin embargo, la goma moldeable deja menos cera y, por lo tanto, menos marca.

Esperamos que este repaso a los diferentes tipos de lápices y gomas os hayan servido de ayuda. No olvidéis elegir bien la intensidad y el grosor para vuestros trazos y dibujos y recordad que la goma… ¡también dibuja!

¿Y con qué pinto? … ¡Conozcamos los medios!

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En muchas ocasiones nos lanzamos a pintar sin haber elegido el mejor medio para conseguir plasmar lo que queremos. Por ello, os ofrecemos un breve repaso por las singularidades de algunos de ellos. Según utilicemos acuarela, acrílico, óleo, o pastel, obtendremos un resultado diferente. Conviene siempre elegir muy bien el medio para conseguir nuestro objetivo.

Acuarela

La acuarela nos dará muchísima luminosidad y transparencia. Podríamos decir que es la pintura que mejor nos permite conseguir obras delicadas y sugerentes gracias a la transparencia de sus colores. Con la acuarela será más fácil obtener matices en el color y podremos plasmar la luminosidad con facilidad. Procura que tus mezclas sean intensas, ya que al secarse el color perderá fuerza.

Acrílico

Hablar de acrílico es hablar de secado rápido y versatilidad. Esta pintura se disuelve en agua y una vez seca podrás aplicar varias capas superpuestas. De este modo, ofrece la posibilidad de realizar el cuadro con numerosas pinceladas. Hay que tener en cuenta que el color se oscurece ligeramente al secarse.

Óleo

Esta pintura posee mucha calidad cromática, cuerpo y brillo. Es la que mejor se presta para hacer empastes y pinceladas voluminosas. Además, el acabado siempre será brillante y los colores muy vivos. Sus pigmentos posibilitan conseguir cualquier tonalidad.

Pastel

Con el pastel conseguiremos un colorido muy vivo gracias a los pigmentos compactos y también lograremos una obra muy rica en matices, ya que contaremos con una gran variedad de tonos. El pastel es una de las mejores técnicas para conseguir fundidos y degradados. Utilizaremos los dedos para fijar el pigmento sobre el papel.

Es muy importante conocer las características y posibilidades que los diferentes medios pueden aportar. Sólo así podremos realizar una elección acertada, siempre en función del tipo de obra que queremos conseguir. Os animo a seguir investigando en ellos para sacar a tus obras el máximo partido.

Hoy vamos a hablar del pastel, una de las técnicas más agradecidas en la representación pictórica. El pastel se puede trabajar de muchas maneras, según el resultado que pretendamos alcanzar: realista o conceptual.pastel

Decimos que es una técnica muy agradecida porque la barra da al artista la posibilidad de dominar el trazo, acercándonos al dibujo. Además, el pintor puede obtener un colorido muy vivo gracias a los pigmentos compactos de los pasteles, y también puede lograr una obra muy rica en matices, ya que contará con una gran variedad de tonos.

Por otra parte, el pastel es una de las mejores técnicas para conseguir fundidos y degradados. Para el difuminado, arrastraremos el pigmento sobre la superficie del papel. La mejor manera de conseguir un buen fundido es utilizar los dedos, ya que nuestra piel posibilitará que el pigmento se fije sobre el papel.

pastel2En primer lugar usaremos los tonos oscuros porque son los que más pueden ensuciar el resto de colores. Para conseguir contrastes más intensos, nos decantaremos por el color directo de la barra. No olvidéis que los mayores contrastes cromáticos se dan entre tonos complementarios y que los colores fríos contrastan con los cálidos porque producen proximidad o lejanía.

¡Animaos con esta técnica! Conseguiréis obras llenas de color y contraste.

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