Pintar la luz

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Pintar la luz es un reto para cualquier artista. Puede parecer imposible, puede considerarse hasta magia, pero podéis conseguirlo trabajando la observación en vuestra vida diaria y practicando con temas luminosos y sombríos a la vez. Abrid bien los ojos cuando caminéis por la calle o deis un paseo por la naturaleza: la luz cuenta cosas.

En la pintura la luz y la sombra nos pueden servir para dar volumen a los cuerpos y los objetos. Al aplicar la luz y su sombra, se manifestará su relieve. Así, el dibujo lineal queda a un lado cuando aparece la aplicación de la luz.

Hay que tener en cuenta que según sea la luz, natural o artificial, el efecto sobre los objetos será diferente. La luz del sol se proyecta de forma paralela, por lo que las sombras siguen direcciones iguales. Sin embargo, la propagación de la luz artificial es radial.

Utilizaremos tonos claros para representar la luz, pero los conseguiremos de forma distinta dependiendo de la técnica que empleemos (óleo, acuarela, grafito…). Así, en acuarela la luz puede obtenerse a través de la transparencia con el soporte, mientras que en óleo lo haremos añadiendo blanco al color.

En cuanto a las sombras, nos tendremos que fijar si varía o no el color. En el caso de sombras monocromáticas, podemos aplicar un degradado del color principal. Si hay variación de color, se aplicarán contrastes cromáticos de una o varias gamas. En general, es preferible evitar expresar las sombras sólo con un color porque en las zonas oscuras hay muchos tonos.

Finalmente, tened en cuenta que la sombra será más intensa cuanto más fuerte sea la iluminación y que el claroscuro es muy importante para dar a los objetos su forma tridimensional.

Esperamos que estas nociones básicas sobre luces y sombras en la pintura os hayan servido y podáis lanzaros a hacer magia con más seguridad.

Workshop con Isidoro Moreno López

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‘PINTURA DE PAISAJE’

CUÁNDO: 29 y 30 de agosto de 2020 

   Sábado 29: De 10 a 14 horas y de 16 a 20 horas

   Domingo 30: De 9 a 14 horas y de 15 a 18 horas

DÓNDE: Está previsto que el curso intensivo se desarrolle al aire libre. En caso de mal tiempo, se realizará en la Academia de dibujo y pintura La maleta del caracol (calle Tajonar, 1, bajo, Pamplona)

EL CURSO: Este workshop está enfocado en la pintura de paisaje. Los alumnos comenzarán realizando pequeños apuntes en tabla para después pasar a obra más grande. El profesor realizará demostraciones de obras completas y resolverá de forma personalizada las dudas que puedan surgir.

EL PROFESOR: La producción de Isidoro Moreno López se caracteriza por la heterogeneidad estilística. Licenciado en Bellas Artes, Isidoro Moreno López ha recibido más de 80 premios de pintura rápida y numerosos reconocimientos, entre otros, los premios de pintura Acor Castilla y León 2005 y 2011 y el Premio de Pintura Caja España sobre la viña y el vino 2008.

PRECIO: 150 euros

INSCRIPCIÓN Y RESERVA DE PLAZA

La matrícula queda confirmada cuando se abona la cantidad de 50 euros en concepto de Reserva de Plaza.
El importe de la matrícula no se devuelve si el alumno, por causa ajena a la organización, no lo puede realizar.Nombre y apellidos(necesario)Correo electrónico(necesario)Nº de cuenta(necesario)Quiero incluir mis datos en la base de datos para recibir información de futuras actividades(necesario) SI NOMensaje

Los colores del cristal

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El mundo de la pintura nos ofrece infinidad de bodegones en los que aparecen botellas, tarros y objetos de cristal. Para el artista es todo un reto debido a la ausencia de color propio. Podemos tomar el cristal como excusa para ejercitar los brillos y las diferentes y casi imperceptibles tonalidades del color. Es una excelente oportunidad para aprender de cada pincelada.

Tenemos que tener siempre en cuenta que la forma de un objeto de cristal se irá construyendo a través de los colores del fondo y de otros componentes de la obra. Además, los brillos nos hablarán de la forma y de la luz que existe, que se verá reflejada en los objetos de cristal.

Para realizar un bodegón con tarros o botellas de cristal, comenzaremos definiendo los contornos, atendiendo al equilibrio compositivo. Posteriormente, realizaremos las manchas de cada elemento para, después, atender especialmente a los detalles.

Así, incidiremos en las formas, los claroscuros y los brillos, que son los que crearán el volumen de los objetos del bodegón. Es importante tener en cuenta que el fondo de la composición es clave; será el generador del color general del cuadro y de los claroscuros.

Recordad que la luz define las texturas y que los cristales nos ayudarán a entender mejor los brillos y las tonalidades de color. ¡Animaos a trabajarlos! Avanzaréis en el dominio del color.

El pastel y los colores directos

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Muchas veces relacionamos la pintura a pastel exclusivamente con obras de dibujo difuminado, pero el uso de estas pinturas puede ser muy variado. Así, muchos artistas crean cuadros a pastel con trazos muy marcados, posibilitando efectos muy llamativos.

Los colores directos o sin mezclar nos ofrecerán manchas puras de color, claramente diferenciadas unas de otras. Si los aplicáis directamente de la barra, sin frotar, obtendréis obras de gran intensidad, con toda la potencia del pigmento.

Una de las características del pastel es la enorme variedad de tonos que ofrece. En otras técnicas pictóricas es el artista quien deberá realizar, a través de mezclas, el color exacto que necesita. Sin embargo, en el pastel todas las tonalidades de un color vienen fabricadas.

El pastel brinda al pintor la posibilidad de trabajar muy bien el trazo y conseguir así plasmar detalles. Asimismo, podréis trabajar la mancha, que será la que marque los límites de los elementos que haya en la obra. Recordad que para las manchas de color puro hay que aplicar el tono directamente de la barra.

Uno de los grandes maestros del pastel fue Edgar Degas. En algunas de sus obras podréis ver trazos muy marcados, la aplicación de colores directos y la superposición de tonos.

¿Cómo cojo el pincel?

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No sabemos si os habréis hecho alguna vez esta pregunta, pero hoy la lanzamos porque creemos que os puede servir de ayuda. Hay diferentes maneras de coger el pincel para pintar al óleo y utilizar correctamente nuestras herramientas es esencial para conseguir buenas obras.

Si nos fijamos en los pinceles para pintar al óleo, observamos que el mango es más largo que los que se usan para otras técnicas pictóricas. Esto se debe, en parte, a la distancia que se debe dejar entre el artista y el cuadro a la hora de pintar.

DESDE ARRIBA O DESDE ABAJO

En la pintura al óleo es muy importante mantener una visión total del cuadro, por lo que para cubrir esa distancia os aconsejamos coger el pincel por el tercio superior del mango. De esta forma, conseguiréis un mayor radio de acción, que posibilitará pinceladas espontáneas y amplias.

Sin embargo, hay momentos en los que necesitaréis coger el pincel desde más abajo, especialmente en obras de retrato o de figura, que exigen más precisión en algunas zonas.

COMO SI FUERA UN LÁPIZ

Una de las formas de coger el pincel para pintar al óleo es hacerlo como si se tratara de un lápiz, pero desde más arriba. En este caso se podría hablar de dos maneras de cogerlo: recta (para poder pintar en todos los sentidos) o girando un poco la mano (para pinceladas más planas).

CON EL PALO DENTRO DE LA MANO

Otra manera de coger el pincel es manteniéndolo dentro de la mano, por el centro del mango. Esta posición nos facilitará pinceladas más sueltas, lejos de los detalles. El pincel quedaría en una posición oblicua respecto al lienzo, de modo que podríamos depositar el color directamente en él.

Esperamos que estos breves apuntes sobre cómo coger el pincel para pintar al óleo os hayan dado pistas para aplicar cada posición a vuestro objetivo pictórico. Según las pinceladas que queráis obtener, optar por una u otra manera de coger el pincel. Si practicáis, vuestros cuadros ganarán en calidad.

Colores quebrados: armonía y credibilidad

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Hoy realizaremos un breve repaso por los colores quebrados, que surgen de la mezcla de las parejas de colores complementarios. Conseguiremos así una gama de colores pardos y grisáceos que conjugan muy bien entre sí. Las posibilidades son inmensas y la armonía está asegurada.

Dominar los colores quebrados es muy importante en el mundo de la pintura porque dotarán a nuestras obras de equilibrio. Además, aportarán credibilidad a nuestros cuadros, si nuestro objetivo es reproducir los colores de la naturaleza.

Aunque el resultado os pueda parecer monótono, con los colores quebrados obtendréis un efecto armónico y singular que dará calidad a vuestra obra. La gama de colores quebrados es muy extensa. Tendréis ante vosotros muchísimas variaciones de tono y podréis conseguir infinidad de matices.

Con la mezcla de azul y naranja conseguiréis un color agrisado, mientras que con la mezcla de violeta y amarillo obtendréis una gama que tenderá más al marrón.

Puedes mezclar los colores quebrados con diferentes cantidades de blanco con el objetivo de armonizar y agrisar. Así, os aconsejamos mezclar colores complementarios en proporciones diferentes, para posteriormente añadir blanco. Es una manera de atenuar contrastes de color.

Recordad que aprender a pintar con los colores quebrados es fundamental para que vuestras obras ganen naturalidad, credibilidad y armonía. Una vez que los dominéis, no podréis pintar sin ellos.

Hoy salimos: consejos para pintar al aire libre

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Hoy nos vamos a la calle. Preparamos nuestro maletín de pinturas, buscamos un paisaje y abrimos los sentidos. Pintar al aire libre siempre es un reto personal, un pulso con nuestra capacidad de observar, pero también con nuestra capacidad de plasmar sensaciones.

El motivo pictórico es cambiante y nuestro cuadro será más vivo que nunca. Olvídate de los detalles y déjate llevar por lo que no ves.

Aquí os dejamos diez consejos para que saquéis el máximo partido a vuestro trabajo al aire libre

1. Trabaja sobre un fondo teñido de un color neutro, gris, ocre o tierras no demasiado oscuros porque si pintas directamente sobre una tela blanca, es más difícil valorar el equilibrio del color desde un principio

2. Es preferible dibujar la composición básica en soluciones líquidas con abundante cantidad de aguarrás para acelerar el secado. Cuida las proporciones entre los elementos lejanos y el primer plano

3. Deja a un lado los detalles y representa los elementos como los árboles o las montañas con pinceladas imprecisas. Así, plasmarás su forma general

4. Aborda los claros y los oscuros teniendo en cuenta los puntos de luz.

5. De vez en cuando toma distancia con el lienzo para analizar tu trabajo. Recuerda que la sensación de profundidad se puede conseguir con los colores cálidos en el primer plano

6. La obra va avanzando y vamos introduciendo nuevos colores en el paisaje. En esos momentos ten presente que deberás realizar una nueva valoración del cielo

7. Para dar profundidad a tu obra puedes fundir la pintura en el último plano utilizando la técnica de húmedo sobre húmedo y recurrir a pinceladas definidas en el primer término

8. Atrévete con pinceladas vigorosas, siempre teniendo en cuenta que en ciertas zonas, como el cielo, deberás matizarlas. Es aconsejable usar un trapo limpio o el dedo para suavizarlas y mezclar los colores

9. En la pintura al aire libre no se busca el detalle; tenlo presente cuando trabajes los últimos toques. El objetivo no es buscar la representación más precisa del paisaje, sino el sentimiento de soledad, calma o alegría que transmite

10. Una vez terminada, puedes trabajar alguna zona en casa. Una buena idea es aplicar una capa de barniz de retoque para que los colores vuelvan a tomar su valor original. En todo caso, si haces demasiados retoques, podrías restar vitalidad al trabajo al aire libre

‘VERMÚ CHINO’

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CUÁNDO: 23 de noviembre de 2019 (de 10 a 13.30 horas)

DÓNDE: Academia de dibujo y pintura La maleta del caracol (calle Tajonar, 1, bajo, Pamplona)

EL CURSO: Esta sesión de pintura china con el pintor Ángel Presencio se propone ofrecer al alumno los recursos necesarios para adentrarse en esta técnica artística. No es necesario tener conocimientos previos, ya que el profesor se amoldará al nivel de partida de cada alumno.

En esta sesión los alumnos trabajarán, a través de métodos prácticos, modelos tradicionales de este arte milenario y disfrutarán de sus sugerentes y relajantes materiales. La pintura china a pincel es una de las técnicas más fascinantes y satisfactorias, aunque su dominio supone todo un reto.

La sesión finalizará con un vermú con comida oriental que se servirá en la academia, un aperitivo en el que los asistentes a la sesión podrán compartir sus experiencias durante la jornada.

GRUPO REDUCIDO: Este taller se desarrollará con un grupo reducido de alumnos, con el objetivo de ofrecer una atención más personalizada. En cada ejercicio se analizarán las dificultades y se propondrá resolverlas con diferentes recursos técnicos.

EL PROFESOR: Licenciado en Bellas Artes y especializado en pintura por la Universidad del País Vasco, Ángel Presencio ha impartido clases y cursos intensivos de acuarela, dibujo y pintura. Asimismo, ha impartido numerosos talleres de arte oriental. Ha realizado exposiciones individuales en diversas galerías de Navarra y Madrid, y ha participado en muestras colectivas en diferentes puntos de España. Cuenta con numerosos premios en certámenes de pintura.

PRECIO: 35 euros (materiales y vermú incluido)

PINTURA CHINA

Atrévete con la espátula y ganarás libertad

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Hablemos de la espátula, ese objeto metálico al que nos cuesta acercarnos, a pesar de que es esencial para pintar con óleo y acrílico. Aprender a utilizar esta herramienta lleva su tiempo, pero una vez que el manejo vaya siendo más confiado, vuestras obras ganarán en libertad, expresividad y solidez.

Los pintores usan la espátula para mezclar los colores, pero también para aplicarlos directamente en la obra. Al usar este instrumento, incorporaremos la pintura empastada y en mayor cantidad. Olvídate de la precisión y los detalles; eso es para el pincel.

A continuación os mostramos una obra en la que se ha utilizado la espátula

En este cuadro el artista ha aprovechado la limpieza y luminosidad que aporta la espátula para destacar los pétalos del girasol. Así, ha usado esta herramienta en las zonas de luz para obtener un mayor impacto visual, dejando las sombras más fundidas.

Con ello, ha conseguido flores más sueltas y expresivas, libres y con más fuerza, alejándose así de la precisión que le aportaría un pincel.

A continuación os resumimos algunas recomendaciones para pintar con espátula:

  1. Primero mezcla los colores en la paleta. Empástalos presionando y arrastrando la hoja de la espátula
  2. Utiliza una tabla entelada en lugar de un lienzo, ya que ofrece más resistencia a la presión de la espátula
  3. Ten siempre claro el movimiento que realizará la mano para crear texturas o aplicar la pintura de forma expresiva
  4. Es preferible trabajar con pocos colores con el fin de conseguir limpieza y luminosidad
  5. No insistas con la espátula sobre el soporte ni remuevas demasiado las mezclas
  6. Ten siempre a mano un trapo de algodón para limpiar la espátula

Esperamos que este breve repaso por las características de la pintura con espátula os anime a usar esta herramienta. Sólo hay que perderle un poco el miedo y dejarse llevar por la libertad.

Sesión ‘Interpretación en la pintura’ con el artista Jorge Silva

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CUÁNDO: 26 de octubre de 2019 (de 11 a 14 horas)

DÓNDE: Academia de dibujo y pintura La maleta del caracol (calle Tajonar, 1, bajo, Pamplona)

LA SESIÓN: El artista Jorge Silva pintará una obra al óleo al tiempo que irá exponiendo y explicando paso a paso a los asistentes las diferentes fases y singularidades del proceso de creación del cuadro.

Entre otros temas, hablará de:

   -materiales y sus posibilidades

   -planteamiento y composición de un cuadro

   -desarrollo cromático de una obra

   -recursos técnicos para representar lo que vemos

   -finalización de una obra

EL ARTISTA: Joven artista pamplonés, Jorge Silva desarrolló su gusto por el dibujo desde muy pequeño. Autodidacta y apasionado de la pintura, perfeccionó su estilo junto a su maestro Dan Isturiz y en 2016 creó la academia de dibujo y pintura La maleta del caracol. A sus 35 años, Silva ha impartido clases y cursos intensivos de dibujo a grafito, pintura al pastel y óleo. Su obra ha sido expuesta en diferentes galerías de Navarra, individual y colectivamente.

PRECIO: 25 euros